Facebook Twitter Google +1     Admin

carlosmartinez

Bienvenidos a mi blog de críticas de cine. Desde 2005, ya más de diez años tratando la actualidad del mundo del cine, sus películas, premios y homenajes a las figuras fallecidas. Espero que si entráis por primera vez os guste lo que estéis viendo.

Se muestran los artículos pertenecientes a Diciembre de 2013.

Necrológica

Esta mañana me ha llegado la inesperada noticia de la muerte en accidente de un conocido actor de una popular saga. Descase en paz:

Paul Walker:

Su muerte parece una broma macabra digna del Joker de Batman, iba como  pasajero en un coche deportivo  que se estrelló. Su carrera viene marcada claramente por el éxito de la saga A todo gas, donde actuó en cinco de las seis películas estrenadas (rodaba actualmente la séptima, en estos momentos ignoro qué pasará con ella, está claro que se acabará de rodar, pero no sé qué harán con su personaje). En el resto de su carrera tuvo menos éxito, algo habitual en actores que saltan a la fama con una saga; la más destacada fue Banderas de nuestros padres, aunque su papel era secundario, son también conocidas Bajo cero, Timeline, La prueba del crimen o Ladrones.

01/12/2013 12:51 carlosmartinez #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Pacto de silencio

No tienen remedio con los títulos en España. Por lo que he buscado, el título oríginal del filme de Robert Redford, The company you keep, es una referencia a una frase hecha que es You will be judged by the company you keep, serás juzgado según la compañía que tengas, equivalente a nuestro dime con quién andas y te diré quién eres. Desde luego, nada que ver con el más que chorra que le han cascada en castellano, Pacto de silencio, que suena como ser igual a un montón de películas, se han ganado los distribuidores el premio Don Erre que Erre habitual en esta sección.

Y vista la película, resulta decepcionante. Redford siempre ha sido en mi opinión un director mucho más discreto que como actor, salvo contadas excepciones como Gente corriente o Quiz show, y aquí se nota. Parte de un tema interesante, un grupo de antiguos terroristas buscados por la policía que se han reinsertado con nombres falsos en la sociedad, y tiene probablemente el mejor reparto visto en una sala de cine recientemente (el propio Redford, Susan Sarandon, Julie Christie,  Sam Elliot, Terrence Howard, Stanley Tucci, Chris Cooper, Richard jenkins o Nick Nolte, entre otros), pero creo que debido a un guión demasiado blandengue y a una duración excesiva, le ha salido un ladrillo aburrido y tendente a la lágrima fácil (¿hace falta sacar a la hija del personaje?), donde solo destaca el brillante reparto, especialmente Christie y Redford, los personajes más interesantes de la trama. Completamente decepcionante.

01/12/2013 13:26 carlosmartinez #. sin tema No hay comentarios. Comentar.


Frozen el reino de hielo

A veces la diferencia entre guión original y adaptado de una película es bastante difusa, hay guiones originales que parecen plagios de películas y libros anteriores, y guiones adaptados que podrían considerarse originales, dadas las diferencias con la obra o película de la que parten. Frozen es claramente el segundo caso. No conozco demasiado el cuento de Andersen en que se basa, La reina de las nieves, pero echando un vistazo anoche a la trama de la narración del escritor danés, las diferencias con el filme animado de Disney son más que notorias, yo no lo calificaría de adaptación aunque en los títulos de crédito conste como "inspirado en el cuento de Andersen".

Aparentemente, el filme es la típica película de Disney de toda la vida, hecha en esta ocasión por ordenador, con bonitas canciones, secundarios graciosos (estupendo el muñeco de nieve), princesas en apuros y canciones azucaradas (no tan convincente el trabajo del canadiense Christophe como otras veces, no es una mala partitura, pero no se puede comparar con los mejores trabajos de Alan Menken, Randy Newman, Michael Giacchino y los clásicos anteriores a la muerte de Disney). Acabada de ver, observo unas cuantas diferencias que la hacen menos edulcorada, un comienzo tremendo, con dos muertes (aunque sea en elipsis) y otra que no es, pero le falta poco. Un personaje de reina bruja que causa el mal sin querer, y una hermana (la heroina) de armas tomar que lo que quiere es ayudarla, y algo referente al romance que no puedo contar (por los spoilers), que es bastante insólito en la filmografía Disney... Filme de animación notable, como siempre Disney va un paso por delante en calidad que sus competidores en Hollywood (no incluyo a los de fuera de USA, ahí el rey es Miyazaki, que desgraciadamente parece que  se retira), muy entretenido y especialmente dedicado a la infancia, aunque personalmente me parece algo menor respecto a los clásicos de la casa, debe ser porque en los cuentos de hadas de Disney estoy acostumbrado a la animación tradicional o porque la banda sonora, clave en un filme de este tipo con canciones, me parece por debajo de otros filmes. 

 

 

Como ya suele ser habitual en los últimos tiempos, el filme viene acompañado de un corto. No os lo perdáis. Get a horse está realizado para celebrar el 85 aniversario de Mickey Mouse, y es una divertidísima, trepidante y endiablada mezcla de animación tradicional y moderna claramente inspirada en La rosa púrpura del Cairo y El último gran héroe. No lo he visto en 3D, pero me parece que el uso del mismo debe ser de aúpa. Corto muy recomendable y serio candidato al Oscar de este año.

01/12/2013 14:05 carlosmartinez #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

El consejero

 

El nuevo filme de Ridley Scott, El consejero, viene marcado por dos cosas, ser el primer guión original del gran escritor Cormac McCarthy, y ser la película que estaba rodando en el momento del suicidio de su hermano Tony (Scott suspendió el rodaje un tiempo por dicha causa); no pude llegar a ver las primeras imágenes del filme, y no sé si allí le homenajea, porque extrañamente en los títulos de crédito finales no lo hace.

En cuanto a la película, he leído estos días en general críticas muy negativas, especialmente respecto al guión de McCarthy y su verborrea, y creo que son un tanto excesivas. De acuerdo, por momentos se le va la mano al guionista en los diálogos y Scott ha tenido mejores días, aunque en esto puede haber influido el estado de ánimo, pero el resultado tiene mucha más  mala uva y sentido surealista de humor negro que el que puede parecer a simple vista: ojo al diálogo de Rubén Blades sobre Antonio Machado y lo que pasa luego, para mí lo del disco y lo del vertedero no tiene desperdicio; ojo a lo que va a pasar con todos los personajes que advierten al protagonista (a eso le llamo humor negro); ojo a la arma que describe Javier Bardem (el momento en que se utiliza es de lo más brutal que he visto últimamente)... Estando lejos de ser perfecta, me parece un buen trhiller con muchísimo sentido del humor negro, en el que quizás Javier Bardem y Penélope Cruz estén un poquito flojos aunque son los personajes peor definidos, Michael Fassbender está muy bien al igual que Brad Pitt, pero la que se lleva la palma es Cameron Díaz con una de las femmes fatales más adorablemente perversas de los últimos años, la escena con el cura es de sacarse el sombrero. No es de lo mejor de Ridley Scott y Mccarthy está lejos en la escritura de guión de sus novelas, pero no me parece un desastre ni mucho menos.

02/12/2013 01:16 carlosmartinez #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Phenomena: Sonrisas y lágrimas

Este miércoles Phenomena proyecta un gran clásico del cine musical, no exento de polémica entre los cinéfilos y cuyo doblaje es probablemente uno de los mayores desastres que se recuerdan:

Sonrisas y lágrimas:

 

 

Le han dicho de todo, incluso uno de sus protagonistas, ñoño, cursi, excesivamente infantil... Pero tiene multitud de fans y es una de las películas más taquilleras de la historia, creo que la que más hasta que llegaron Tiburón y La guerra de las galaxias, algo debe de tener para atraer tanto. Yo me quedo en un término medio, el tono de la historia no me convence, y Robert Wise ha tenido trabajos mejores que este, pero la banda sonora es maravillosa, y Julie Andrews está muy bien, aunque mejoraría con los años (concretamente con sus colaboraciones con su marido Blake Edwards).

El caso es que este musical llega en 1965 en uno de los peores momentos de 20th Fox, con grandes pérdidas por Cleopatra y amenazando ruina. Los productores decidieron arriesgarse con una musical como este de gran éxito en teatro, y tomaron una decisión que hoy en día puede considerarse muy arriesgada, coger a una actriz británica desconocida para el gran público (solo había protagonizado Mary Poppins, pero no se había estrenado todavía, al menos de cara al gran público, parece ser que la vieron en un pase privado) llamada Julie Andrews. Insistieron en contratar a Robert Wise, codirector de West Side Story, que tenía otro proyecto entre manos que se retrasó (la posterior a esta El Yang-Tse en llamas) y, aunque la primera opción era Dean Martin para el protagonista masculino (¿Martin aristócrata? Eso sí hubiese sido un error de casting de aupa), escogieron al actor canadiense Christopher Plummer que luego les saldría rana, al menos en las declaraciones posteriores al rodaje. El estreno fue un rotundo éxito, aunque con críticas nada positivas por las razones que siempre se han manifestado, éxito ayudado porque Andrews ya se había convertido en estrellacon Oscar por Mary Poppins, y se convirtió rápidamente en un taquillazo. Aún con las reservas de la crítica, ganó cinco Oscars (película, director, montaje, banda sonora adaptada y sonido). Hoy día es todo un clásico del cine familiar.

Mal que le pese a Plummer. Nunca estuvo de acuerdo del tono del filme (con licencias gordas respecto a la historia real de la película, basada en una familia cantante austriaca huida del nazismo muy conocida en los años 40, y cuya auténtica Maria von Trapp dicen que aparece como extra en algunas escenas de la película; la licencia más grande es la huida final, realmente huyeron en tren, no por las montañas de Salzburgo, ya que por allí se va derechito al sur de Alemania, lugar poco recomendable para huir del nazismo en 1938) y con la interpretación musical de Andrews, de hecho Plummer rebautizó el filme como The sound of mocus (El sonido de los mocos). No se debieron enterar los responsables de los Oscars de este 2013, porque lo recibieron al son de la banda sonora de la película.

Me quedan por comentar tres disparates relativos a la película. Uno, el doblaje español. Mal empezamos si ya cambias El sonido de la música por el patético Sonrisas y lágrimas, pero es que no acabaron ahí los desmanes: decidieron doblar las canciones, y ahí se "lucieron". Mal, muy mal están The sound of music, María o The lonely goather dobladas, pero lo de Do, re, mi no tiene nombre. Primero pondré la letra original en inglés del estribillo:

Doe, a deer, a female deer
Ray, a drop of golden sun
Me, a name I call myself
Far, a long, long way to run
Sew, a needle pulling thread
La, a note to follow Sew
Tea, a drink with jam and bread
That will bring us back to Do (oh-oh-oh)

La verdad es que los compositores Rodgers y Hammerstein se tomaron sus licencias con las notas musicales, ya que hay dos claras variaciones respecto a la notación procedente de la composición latina de la que surgieron (menos do, que un espabilado italiano cambió por do porque eran las iniciales del nombre), sol y si sustituidas por sew y tea; curiosamente las notas en inglés son diferentes, C D E F G A y B. Pero el traductor hizo un completo disparate. Aquí tenéis la traducción:

DON- es trato de varón
RES- selvático animal
MI- denota posesión
FAR- es lejos en inglés
SOL- ardiente esfera es
LA- al nombre es anterior
SI- asentimiento es
Y de nuevo viene el DO
DO-DO-DO

Demencial en todos los sentidos, solo se explica por como han dicho algunos por los efectos de alguna hierba no procedente precisamente del Tirol. Lamentablemente, dado el éxito del filme, cada vez que se ha representado la obra en España nadie se ha atrevido a cambiarla.

Segundo disparate, según algunas fuentes que no he podido confirmar: la censuraron en Alemania en el momento de su estreno, supongo que por el tema del nazismo. Por lo que dicen, tras la boda, decidieron concluir la película, todo el que la haya visto sabe que todavía quedan bastantes minutos. No lo he podido confirmar y parece ser que se arregló posteriormente, pero de ser cierto es una salvajada.

Y tercer disparate, le salió un grano en el culo en España en forma de plagio. Una bióloga metida a actriz (si se le puede llamar así a ese engendro llamado Ana Obregón) decidió "actualizarla" cambiando a una novicia por una stripper. El esperpéntico resultado responde al nombre de Ana y los siete, para mí una de las mayores aberraciones vista en una pantalla de televisión en la historia.

A pesar de todo y de sus detractores, Sonrisas y lágrimas es un gran musical y un estupendo espectáculo para toda la familia, pero en VO.

03/12/2013 13:39 carlosmartinez #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Phenomena: Lifeforce + Invasión USA

Este viernes, Phenomena inicia un miniciclo de dos sesiones dedicado a Cannon Group, productora que en los años 80 tuvo una gran popularidad gracias a sus filmes de acción de bajo-medio presupuesto protagonizados entre otros por Chuck Norris, Charles Bronson o Jean-Claude van Damme, en general denostadas por la crítica, pero con gran cantidad de seguidores y con gran éxito en los videoclubs de la época.

Aunque me gustaría hacer un par de puntualizaciones antes de hablar sobre las dos películas que forman el primer programa doble. La primera, que aunque el periodo más conocido de la productora es el que abarca de 1979 a 1989, cuando la controlan el director, productor y distribuidor israelí Menahem Golam y su primo Yoram Globus, Cannon tiene su origen antes, en 1967 en una pequeña productora que fue comprada por Golam en 1979. No he tenido oportunidad de ver ninguno de los filmes de esa época, aunque algunos dicen que son interesantes. Más tarde de 1989, con la marcha de los dos primos, la productora empieza a perder peso hasta su desaparición en 1993.

Segundo, que si bien el grueso de las producciones de Cannon pertenece al cine de acción que les dio fama, Golam era un cineasta respetado en Hollywood por sus películas israelies, dos de ellas fueron nominadas al Oscar antes del periodo de Cannon. Y aunque era conocido por ser un productor sumamente tacaño (dos de las películas del ciclo se resienten de ello) y que le podía conseguir dinero con sus películas al precio que fuese, dentro del catálogo de Cannon hay una serie de rarezas dirigidas por grandes directores: Tobe Hooper, John Cassavettes, Franco Zeffirelli, Jean-Luc Godard, Barbet Schroeder o Andrei Konchalovski; además son ganadores de un Oscar por la producción y distribución del filme holandés El asalto. Como me diría mi Pepito Grillo particular llamado Sacerdote, conviene no tomarse a la ligera a algunos cineastas, además con el tiempo le he cogido cariño a Cannon, aunque unos cuantos de sus filmes son perlas del cine más trash.

El ciclo empieza con un programa doble formado por una de sus mejores películas y uno de los filmes más delirantes que produjeron:

Lifeforce:

 

No conozco la novela de Colin Wilson en que se basa el filme, Los vampiros del espacio, aunque sé que se tomaron tantas licencias que Wilson dijo pestes del filme. Pero es imposible pensar que un filme que tiene a Tobe Hooper como director, a Dan O’Bannon como guionista, a John Dykstra como responsable de efectos especiales y a Henry Mancini como músico pueda salir mal, aunque Golam metiese mano en reducir el presupuesto previsto y recortase la duración del filme en aproximadamente un cuarto de hora para USA por su contenido erótico. No salió mal ni mucho menos, de hecho es mi filme favorito de los tres que hizo Hooper para Cannon (los otros dos son el remake de Invasores de Marte y La matanza de Texas), un filme de vocacion espectacular aunque claro origen de serie B sobre una amenaza extraterrestre escondida en el Cometa Haley (en la novela era en un asteroide, pero el astuto Golam decidió cambiarla, ya que al año siguiente le tocaba pasar al cometa por la Tierra) y que roba a los humanos que caen en su poder la fuerza vital a la que da mención el título. Fue el descubrimiento de una bellísima actriz francesa llamada Mathilda May, y fue también una de las últimas bandas sonoras del genial Henry Mancini, si bien tras hacer el nuevo montaje Golam se incluyeron algunas composiciones de Michael Kamen. No obtuvo en taquilla el éxito que esperaba Cannon, pero para mí es una de las mejores películas de género que hicieron (no incluyo las de cine de autor).

Invasión USA:

Mientras Mijail Gorbachov entraba en el Kremlin para dar inicio a la Perestroika y acabar con la guerra fría, a Golam y a Globus no se les ocurre otra cosa que producir este delirio escrito por su estrella Chuck Norris (venía de hacer su mayor éxito para Cannon el año anterior, Desaparecido en combate, que se anticipaba a la temática que pondría de moda Rambo II) y su hermano Aaron. Ahí es nada, rusos y cubanos metidos en USA como terroristas para destruir la nación, argumento que poco antes ya había utilizado más en "serio" John Milius en Amanecer rojo (el mayor disparate para mí del gran director y guionista, y muy fascista según palabras suyas), pero que en manos de los dos Norris y de Cannon alcanzó niveles de cine trash como pocas veces se ha visto en una pantalla de cine. Por supuesto, el impertérrito Chuck les dará de hostias y balazos a los malos malosos hasta que se canse el personal que va a ver la película, aunque tiene un buen villano en el actor de serie B Richard Lynch. Como película seria, deja bastante que desear, los críticos sesudos mejor abstenerse, como comedia no tiene desperdicio, se puede considerar incluso como uno de los mayores "logros" de Chuck. Buen ejemplo de cómo se las gastaban Golam y Globus en su buena época, todo valía por la pasta.

05/12/2013 02:11 carlosmartinez #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Necrológica

Ayer nos dejó un director francés no excesivamente conocido en España, pero autor de varias películas muy populares en su momento, descanse en paz: 

Edouard Molinaro:

Molinaro es autor de algunas de las comedias más exitosas francesas de los años 60 y 70, al servicio de actores como Louis de Funes, Ugo Tognazzi, Michel Serrault, Lino Ventura o el cantante Jacques Brel. Las más destacadas que le recuerdo son Vicios pequeños (por la que fue nominado al Oscar), L’emmerdeur (la más conocida de las películas protagonizadas por Brel, adaptada por Billy Wilder en Aquí un amigo, para mí la película más floja del genial austriaco), Oscar, una maleta, dos maletas, tres maletas e Hibernatus, el abuelo congelado. Uno de los directores más destacados de la comedia francesa en general y el vodevil en particular.

08/12/2013 13:26 carlosmartinez #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Mis dias felices

Si no fuese por la presencia de la estupenda actriz francesa Fanny Ardant, este filme no pasaría de discreto, otra tontería geriátrica (no solo los americanos las hacen por lo que parece) sobre jubilad@ (me da igual el sexo del protagonista, todas están cortadas por el mismo patrón) que echa una cana al aire con una persona mucho más joven, completamente previsible y poca cosa que destacar. Si no es para olvidarla completamente en por Ardant, a la viuda de Truffaut no le recuerdo en toda su carrera una mala interpretación y aquí hace creible un personaje poco interesante. 

08/12/2013 13:37 carlosmartinez #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Plan de escape

Como los rockeros, los héroes de acción parece que nunca mueren o al menos se resisten a jubilarse. Plan de escape es un intento más de Sylvester Stallone y Arnold Schwarzenegger por permanecer en el candelero, a pesar de que a sus sesenta y pico años ya no parecen para muchos trotes, especialmente Stallone. No pasa de discreta, el guión es bastante flojito y con agujeros muy gordos en el guión, con historia de cárceles llena de tópicos y la sorpresa final es más que previsible, se ve venir desde el principio del filme quién ha contratado al personaje de Stallone para montar una fuga de una cárcel de alta seguridad, aunque el lugar en que está instalada es bastante original. Destacar la presencia de James Caveziel como villano y la presencia de un no acreditado en los carteles Sam Neill como médico de la prisión. El filme no molesta demasiado y no aburre, simplemente es para pasar un rato entretenido.

 

 

 

 

08/12/2013 14:24 carlosmartinez #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Necrológica

En las últimas horas nos ha dejado una gran actriz del Hollywood clásico, descanse en paz:

Eleanor Parker:

 

Su periodo de gloria es relativamente corto, unos diez-quince años, pero brilló en grandes interpretaciones en Sin remisión, Scaramouche, Fort Bravo, Brigada 21 y en mi preferida de todas, Cuando ruge la marabunta, en un memorable duelo con Charlton Heston que echaba chispas. En su periodo ya de declive, le llegó uno de los papeles más recordados por el público, la baronesa de la comentada aquí la semana pasada Sonrisas y lágrimas. Gran actriz quizás un tanto olvidada en los últimos años.

11/12/2013 01:31 carlosmartinez #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Phenomena: Lo que el viento se llevó

Este miércoles Phenomena proyecta uno de los mayores clásicos del Hollywood dorado, quizás el más recordado por muchas generaciones y uno de los más exitosos de la historia, si no el que más. Sin embargo, y valorando mucho su indudable valía artística, tengo muchas reticencias hacia él moralmente:

Lo que el viento se llevó:

Y como buen abogado del diablo que soy, empecemos por lo que no me gusta. Se pongan como se pongan los admiradores, hay algo que me repele, y es lo mismo que con otra obra maestra como es El nacimiento de una nación. Aunque dulcifique algo la novela, donde se hablaba claramente del personaje de Leslie Howard como uno de los fundadores del Ku Klux Klan (y en mi opinión con cierta simpatía por parte de la autora, o al menos con cierta comprensión), es un filme profundamente racista, los negros no son más que meras comparsas o por momentos ridiculizados aunque una actriz ganase el Oscar, y se acentúa todavía más en el doblaje. Muchos dicen que era cosa de la época, y es cierto, en los años 30 el Klan campaba por sus respetos e incluso tengo constancia fílmica de manifestarse tranquilamente por el centro de Washington sin que nadie les molestase. Pero eso no lo hace menos abyecto para mí el mensaje de añoranza del viejo Sur y lo que representa.

Eso sí, este filme de David O. Selznick (teniendo en cuenta cómo las gastaba el director con los directores, casi hay que considerarlo el autor de la película, no los cinco directores que se conocen) desde el punto de vista artístico es irreprochable. Mezcla con gran habilidad el melodrama más desaforado y la épica y cuenta con un reparto de lujo, encabezado por una pareja mítica.

La elección de Scarlett O’Hara trajo tela como siempre se ha dicho. O. Selznick no acababa de encontrar a la actriz que quería y yo creo que rara es la actriz de la época que no pasó por favorita para hacer el papel, la lista es tan larga que no la reproduciré aquí. Le llegó casi en el último momento y con el rodaje empezado una actriz británica desconocida llamada Vivien Leigh que era esposa de Laurence Olivier. Le convenció al productor y a todos lo que ven la película. Su A dios pongo por testigo pone los pelos de punta siempre, no en vano es el momento elegido para poner el intermedio en los cines (curiosamente, es la única escena del filme de la que se ignora quién la dirigió). Ganó un Oscar más que merecidamente.

Su partenaire está a la misma altura. Clark Gable es el perfecto Rhett Butler, el simpático granuja capaz de venderse al mejor postor y perdidamente enamorado de Scarlett. Memorable su escena final con el "Me importa un rábano", que suena mucho mejor que el ridículo "Francamente querida, eso no me importa con que lo conocemos aquí. En una decisión sorprendente y "salomónica", se quedó sin Oscar; cuando parecía que el duelo sería encarnizado con James Stewart por Caballero sin espada, se lo llevó un tercero con bastantes menos méritos en mi opinión, el hoy olvidado Robert Donat por Adiós Mr. Chips. En el debe de Gable hay que poner la leyenda bastante fundamentada por lo que parece de que fue el responsable del despido de George Cukor, conocido director homosexual que parece que sabía algún secretillo del actor o que había tenido un lío con un amigo de Gable y este temía que lo tomasen también por homosexual.

Menos agradecido quizás, pero clave en la trama es Leslie Howard en el papel del jefe del Ku Klux Klan y objeto de las atenciones amorosas de Scarlett. Howard tuvo una extraña muerte en un accidente aéreo en las costas gallegas, todo parece indicar que mientras espiaba para los aliados durante la Segunda Guerra Mundial y nunca ha quedado claro si lo derribaron a propósito. No es el mejor papel de Howard ni mucho menos, le prefiero en las deliciosas Pigmalión y La Pimpinela Escarlata.

Inolvidables también Olivia de Havilland como la prima de Scarlett y esposa de Howard (la única que queda viva del filme con 98 tacos), Hattie  McDaniel como la criada Mammy (la primera intérprete negra que ganó un Oscar) y Thomas Mitchell como padre de Scarlett (ganó el Oscar ese año pero por La diligencia, muy merecidamente por cierto) y gloriosa la banda sonora de uno de los genios de la música de cine, Max Steiner. Como curiosidad, el decorado del incendio de Atlanta no es otro que el que se utilizó para King Kong, destruido para hacer la escena. Lo que el viento se llevó arrasó en los Oscars de 1939 (al año siguiente O. Selznick sería el primer productor ganador de dos Oscars seguidos por otra memorable, Rebeca) y sigue siendo un gran espectáculo, con grandes momentos como los ya citados y con grandes interpretaciones, pero me sigue pesando el tema del racismo, yo no la pondría entre mis 25 películas favoritas de todos los tiempos.

11/12/2013 02:30 carlosmartinez #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Phenomena: Supermán IV + Masters del Universo

Este domingo, Phenomena programa la segunda parte de su miniciclo dedicado a Cannon Group, con dos de los filmes quizás peor recibidos por crítica y público y que empiezan a marcar el declive que hará que en dos años empiece a desaparecer la productora:

Supermán IV:

Se les fue de las manos. Los hermanos Salkynd vendieron los derechos al mejor postor tras no funcionar del todo bien la tercera entrega y de pegársela bien gorda con Supergirl, y allí llegó Cannon, que pretendía hacer al menos dos películas sobre el hombre de acero. Aún cuesta comprender cómo un grupo como Cannon se metió en una película que requería un presupuesto alto-medio sin una base sólida, y en pleno rodaje y posproducción tuvieron que reducirlo a la mitad. Se nota en los efectos especiales, casi de saldo si los comparamos con las primeras, se nota en la mala elección del villano (que encima no puso ni la voz, le tuvo que doblar Gene Hackman en la versión original) y en el ridículo traje,  se nota en su exiguo metraje, unos 90 minutos que se hacen hasta largos, se nota en la elección de un director poco adecuado, el mediocre Sidney J. Furie... El resultado, calamitoso, las críticas fueron deplorables y la taquilla peor, en algunos países solo se vio en vídeo. Cortó de raiz la continuación de la saga, y fue un triste final para Christopher Reeve y su icónico personaje, que había sido reacio a protagonizarlo, pero que le convencieron a cambio de protagonizar otro proyecto, la anterior El reportero de la calle 42. Del desaguisado solo se salva como siempre Gene Hackman, lo demás para olvidar.

Masters del Universo:

La película es mala de narices, pero hay que reconocer que es pionera en su género, si la memoria no me falla fue la primera vez que a alguien se le ocurrió utilizar unos juguetes muy de moda en los años 80 para hacer una película. Ningún intento hasta la fecha de sacar filmes de juguetes ha sido bueno, pero poco se podía esperar de utilizar a un armario de dos metros de la patria de Ikea (y de la misma expresividad que los muebles de la marca sueca) llamado Dolph Lundgren. El resultado, en su momento patético, por mucho que tuviese sus fans (no en taquilla, donde también fue un gran fiasco comercial, tanto que se preveía una segunda parte en los títulos de credito que nunca se rodó), visto ahora seguramente provocará unas cuantas carcajadas como pasó el día de Invasión USA. Lo único aceptable es Frank Langella como Skeletor, lo demás solo apto para nostálgicos o gente con ganas de cachondeo.

14/12/2013 01:49 carlosmartinez #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Carrie

Que conste, si me cargo este engendro llamado Carrie no es por mi devoción por el estupendo filme de Brian de Palma y porque parezca una fotocopia del mismo, porque no la parece. Es porque es mala, patética, porque en un burdo intento de modernizarla con menciones a Internet han hecho el ridículo, porque Chloe Grace Moretz actua como el culo (la comparación con la Sissy Spacek original no merece ni hacerse) y porque el climax final da carcajadas más que miedo de tan mal hecho y estirado que está (y con variaciones penosas respecto al original). Se salva Julianne Moore, el aterrador parto con el que comienza la película es lo único salvable, lo demás es uno de los peores remakes de este año.

15/12/2013 13:16 carlosmartinez #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Le weekend

Han empezado a llegar algunas listas de lo mejor del año (no me explico cómo las han hecho ya, faltando dos semanas para acabar el año y con filmes importantes por estrenar), y me causa sorpresa la inclusión en algunas de Le weekend, pequeñito filme de Roger Mitchell muy bien interpretado por su trío protagonista y entretenido, pero que en mi opinión peca de algo tópico (por mucho que siempre nos quede París, tanta postal de la capital francesa cansa) y de innecesariamente estirado para lo que cuenta. Vale la pena verlo porque Jim Broadbent es uno de los mejores actores de comedia vivos (pocas veces lo he visto mal), porque Linsay Duncan le da la perfecta réplica y porque Jeff Goldblum tiene por fin un papel decente después de años de carrera desperdiciada en cine. Pero yo no la pondría entre lo mejor del año, para mí merece un aprobado alto, nada más.

15/12/2013 13:29 carlosmartinez #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

3 bodas de más

A pesar de mi aversión a las bodas en general (a cualquier festejo o reunión a lo bestia, bodas, bautizos, comuniones y entierros) y a los filmes de este subgénero de comedia, he de reconocer que el nuevo filme de Javier Ruiz Caldera me ha sorprendido gratamente. No es redonda, es muy previsible (se ve venir desde el primer fotograma con quién se quedará la protagonista) tiene bajadas de ritmo, algunos gags son demasiado bestias para lo que es el conjunto (en el flashback de la novia paralítica de Quim Gutiérrez se han pasado tres pueblos) y me da la impresión de que Paco León solo tiene un registro interpretativo. Pero es una muy simpática comedia muy por encima de la media, tiene un muy buen ritmo cómico en general, y tres actores especialmente en estado de gracia, una Inma Cuesta que borda un papel cómico poco habitual hasta ahora en su carrera, una Rosy de Palma descacharrante como madre de Cuesta y sobretodo un Berto Romero que demuestra en cine que es hace tiempo mucho más que el "sobrino" de Buenafuente, tiene los mejores momentos de la película y sería una injusticia que no estuviese como mínimo nominado a actor revelación en los Goya. Una grata sorpresa de un Ruiz Caldera que es ya más que una promesa.

15/12/2013 13:44 carlosmartinez #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

El Hobbit: la desolación de Smaug

Me temo que por las primeras reacciones en Internet vamos a tener con el segundo acto de El hobbit (se pongan como se pongan los puristas y los críticos, esto es una sola película en tres partes, al igual que El señor de los anillos, no son tres películas que se pueden juzgar independientemente) el mismo conflicto que con el primer acto: que si es una traición a Tolkien (las licencias son notorias, especialmente en los elfos y en la aparición de la fortaleza de Dol Gurdul, que en el libro original no estaba, creo, solo en los apéndices añadidos posteriormente, que si es demasiado infantil, que cómo se les ha ocurrido hacer tres películas a partir de un libro de 200 páginas, que si Orlando Bloom es un actor pésimo (esto lo suscribo)...

Pues bien, yo tengo que hablar desde el punto de vista cinematográfico, olvidarme de los puristas, de los críticos, de la síntesis, de la elipsis y del libro de Tolkien. Esto es un espectáculo de primera. Aparte de un cameo hitchcokniano, la aparición en la primera imagen de Jackson es casi una declaración de principios, como si el director nos invitase a entrar en una gran montaña rusa de aventuras. Filma con gran maestreza las escenas de acción de las arañas, la huida en el río y el climax en Erebor (a quien le parezca alargado y con multitud de licencias respecto a Tolkien, yo simplemente le digo que a un icono como Smaug no se le puede despachar en cinco-diez minutos como algunos pretenden, su presencia es demasiado poderosa y aterradora como para no aprovecharla), sigue acentuando la tristeza en el personaje del jefe de los enanos (sin entrar en  spoilers para el tercer acto, no es nada casual) y tiene un gran cuidado en el diseño de las escenas, de gran fuerza la ciudad del lago y especialmente la terrorífica fortaleza de Dol Gurdul, donde se esconde el Nigromante, personaje que aunque no se conozca esta escena uno ya se imagina quién es y cuya revelación de su personalida me gusta mucho. Y el filme tiene estupendas interpretaciones de Martin Freeman, Ian Mackellen y un casi irreconocible Stephen Fry, aunque Bloom y Evangeline Lily no están a la altura.

Y queda un final abierto, ojo puede sonar a spoiler. Los que conocemos el libro nos sorprende un corte final tan brusco cuando el conflicto con Smaug está a punto de concluir, pero hay un detalle que me hace pensar en una nueva licencia de Jackson respecto al libro, el Bardo no puede estar donde tiene que estar en ese momento, y Gandalf da la impresión de que tardará bastante en aparecer, me da la impresión de que Smaug va a estar en el filme más tiempo que en la novela, ya veremos. Nos queda la Batalla de los Cinco Reinos y sus consecuencias, de momento la trilogía me está gustando mucho más que a otras personas, veremos si sigue a la altura el tercer acto.

15/12/2013 14:12 carlosmartinez #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

12 años de esclavitud

Todavía es pronto para saber si 12 años de esclavitud será la gran ganadora de los Oscars de este año y el primer Oscar para un director negro, aunque parte como favorita en todas las quinielas. Lo merece. Para muchos puede considerarse la consagración de cara al público del británico Steve Macqueen, pero ya llevaba mucho tiempo avisando, los que conocimos en la Fundación Tapies su corto sobre la bajada a una mina surafricana ya vimos que ahí había mucho talento. 

12 años de esclavitud es para mí el mejor filme sobre esa aberración que han realizado multitud de pueblos llamada esclavitud (nosotros no nos libramos ni mucho menos, recientemente he leido el dato completamente cierto de que no se abolió en España hasta 1886 y me da vergüenza saber que en mi ciudad, Barcelona, nadie se ha molestado en retirarle el nombre de una céntrica plaza a un conocido esclavista, Antonio López, y que se mantienen los nombres de calles de otros 13 personajes que la apoyaron por activa o por pasiva públicamente). La trama, basada en el libro escrito por el propio personaje a partir de sus vivencias, completamente kafkiana, un hombre libre secuestrado por dos monstruos previo engaño, y más kafkiano el final que no comentaré para no hacer spoiler sobre lo que se cuenta en los títulos de crédito. Macqueen muestra sin tapujos y magistralmente todo el horror de la situación, unas veces con sonido (el primer sonido de las cadenas y los golpes que no  vemos de la primera escena es lo más terrorífico que he visto últimamente en una sala de cine), otras veces en plano secuencia (Macqueen tiene siempre muy buena mano con ellos, pero el del ahorcamiento es brutal) y otros mostrando la brutalidad de un sistema que convirtió a gente honorable en cómplice de la sinrazón (el personaje de Benedict Cumberbatch) por no saber o no querer dejar de hacer lo que era tradicional. Geniales las interpretaciones de los dos protagonistas, un Chiwetel Ejiofor cuya cara muestra todo el horror que vive (y que sostiene como nadie que conozco la escena del ahorcamiento) y un Michael Fassbender que hace uno de los personajes más brutales de los últimos años, los dos van derechitos a la estatuilla. Gran película, aunque alguien puede pensar que Macqueen se ha pasado mostrando las salvajadas, yo creo que no, eso sí, espero que sirva el filme para que alguien se anime a estrenar en salas ese otro mazazo que es Hunger.

16/12/2013 01:31 carlosmartinez #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Necrológica

Hoy nos ha dejado todo un mito de la historia del cine, un actor que en ocasiones era tendente al exceso, pero que tenía una de las miradas más bellas del séptimo arte y que nos ha dejado un buen puñado de películas inolvidables. Descanse en paz:

Peter O’Toole:

 

Aunque casi lo más sorprendente es que haya vivido 81 años dados sus notorios problemas con el alcoholismo que le destrozaron todo el aparato digestivo. O’Toole siempre fue puro exceso e incluso en sus mejores momentos tendía al histrionismo, pero pocos actores han dotado a sus personajes de la humanidad y el carisma que les dio este gran actor irlandés. Su carrera está marcada, cómo no, por el personaje que le lanzó al estrellato, Lawrence de Arabia, imposible olvidarlo con la cerilla en la mano o en lo alto del tren; pero no hay que olvidar Los dientes del diablo, el díptico sobre Enrique II formado por Becket y El león en invierno, Lord Jim, La noche de los generales, Adiós Mr Chips, La clase dirigente (su papel más estrafalario y delirante sin duda), Mi año favorito o El último emperador. Tiene el record de actor con más nomincaciones al Oscar que no ha ganado la estatuilla, ocho, tuvo la mala suerte de que Lawrence coincidiese con una genialidad de Gregory Peck llamada Matar a un ruiseñor y le robaron uno que merecía del todo, el de El león en invierno, Clift Robertson en Charlie no le llega ni a la suela del zapato.

16/12/2013 02:01 carlosmartinez #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Necrológica

´Las desgracias nunca vienen solas. Tras la muerte ayer de Peter O’Toole, hoy llega la  noticia de la muerte de otra gran actriz. Descanse en paz:

Joan Fontaine:

 

 

 

No tengo más remedio que hablar de su "relación" con su hermana mayor Olivia de Havilland, se odiaban a muerte, no queda claro si por una boda o por celos profesionales (Fontaine ganó el Oscar antes que Olivia y dicen que no le sentó muy bien a la hermana mayor). El caso es que a veces se ironizó sobre la longevidad de ambas diciendo que ninguna se quería morir para darle el gusto a la otra de quedar viva. 

Disputas familiares aparte, Fontaine demostró muy pronto que era tan buena como su hermana, una actriz dotadísima especialmente para el melodrama y el policíaco y la primera chica Hitchcock de su etapa americana. De su filmografía destaco Sospecha (su Oscar), su versión de Jane Eyre con Orson Welles de coprotagonista, Carta de una desconocida, Más allá de la duda (genial último filme americano de Fritz Lang), Dos pasiones y un amor y la tardía, pero recuerdo muy especial para los niños de los años 60 Viaje al fondo del mar. Pero por encima de todas, la inolvidable Señora de Winter del debut americano de Hitchcock, Rebeca; no le hizo falta que se supiese el nombre de su personaje (se desconoce tanto en la novela como en la película para hacerlo más insignificante) para convertirla en inmortal junto con el ama de llaves y una muerte a la que creo que nunca se le veía la cara ni siquiera en retratos. Como curiosidad, era japonesa de nacimiento, su padre era un abogado instalado en Japón con su familia.

16/12/2013 13:20 carlosmartinez #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Necrológica

Esta muerte no ha sido tan sonada como las dos de los últimos días, pero forma parte de la historia del cine español, y qué parte, descanse en paz:

Lolita Sevilla:

Teóricamente era una película cómica más con folclórica de la época, para el lucimiento de la cantante. En realidad,  Bienvenido Mr. Marshall era todo un torpedo en la línea de flotación de la dictadura franquista y el aperturismo hacia USA que comenzaría precisamente en 1952, que afortunadamente no vio la censura, tan cegata para algunas cosas y tan patéticamente tiquismiquis en otras. El resto de la filmografía de Sevilla es pura españolada, pero sus Americanos os recibimos con alegría es historia del cine español

17/12/2013 00:48 carlosmartinez #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Phenomena: La naranja mecánica + 2001

Este jueves la sesión de Phenomena está dedicada a uno de los directores norteamericanos más conocidos de la historia, amado y odiado casi a partes iguales, Stanley Kubrick. Para unos un visionario y un genio autor de varias de las mejores películas de la historia del cine y para otros un ególatra perfeccionista sobrevalorado y autor de una de las mayores tomaduras de pelo de la historia del cine en forma de monolito. Yo estoy entre sus admiradores, pero que cada uno lo juzgue como quiera, aquí se respetan todas las opiniones. Las dos películas escogidas son probablemente las más famosas de su carrera y con toda seguridad las más polémicas por distintas razones.

La naranja mecánica:

 

En su momento la polémica fue mayúscula, hubo quien entendió esta sátira sobre la violencia y el abuso de poder en un futuro muy cercanno en una apología de la violencia, polémica acentuada por lo salvaje de muchas escenas, el magnetismo del personaje principal, un final algo ambiguo que no coincidía con la novela de Anthony Burgess y las muertes producidas en Reino Unido en el momento del estreno que coincidían con algunos momentos de la película, hecho que produjo que Kubrick retirara la película en ese país, donde no se pudo ver en lustros.

Vista ahora, creo que queda claro que la ironía y la mala uva de Kubrick y Burgess dista mucho de glorificar lo que muestra, de hecho no hay ni un personaje positivo en la película, ni el personaje de Malcolm MacDowell, ni su traicionera banda, ni la policía ni la vengativa víctima. No creo que nadie en su sano juicio piense que la violencia del filme es atractiva, a mí por lo menos siempre me ha revuelto las tripas. Lo que pasa es que Kubrick usa el contrapunto musical y el scherzo (broma en italiano) como nadie en este filme, con la ayuda del compositor transexual Wendy Carlos responsable de los arreglos musicales (en algunas copias se le nombra todavía con su nombre masculino, Walter Carlos), y utiliza en las escenas más bestias músicas alegres como Cantando bajo la lluvia (algunas fuentes dicen que fue idea de Macdowell, pero en un perfeccionista como Kubrick controlador de todo lo dudo) o el Himno alegría de Beethoven, lo que provoca un distanciamiento irónico que puede redundar en pensar en la exaltación de la violencia.

El filme es extraño, tanto como 2001, aunque se entienda mejor. Tiene una soberbia interpretación de Malcolm Macdowell, quien con esta cuarta película suya (la segunda como protagonista, la primera , If, ganó la Palma de Oro de Cannes) se consagró con uno de los personajes más inquietantes y logrados de la historia del cine, que utilizaba un lenguaje bastante particular extraido de varias lenguas. Por si alguien se pregunta a qué hace alusión el título de La naranja mecánica, hay dos teorías: la más conocida, y la que afirma Burgess, es que se refiere a una expresión popular británica, ser más raro que una naranja mecánica, aunque como orange y orang (orangután) se parecen, algunos dicen que se refiere a hombre mecánico, la segunda me parece demasiado retorcido hasta para Kubrick. Peliculón, aunque sus imágenes son muy salvajes en ocasiones.

2001, una odisea en el espacio:

O cómo un ordenador y un monolito cambiaron la historia del cine fantástico y de paso mosquearon a más de uno preguntándose qué rayos significaba el monolito de marras.

Que a la vez es muy sencillo de explicar y muy complejo. Veamos, sigamos la directiva de Kubrick: "Eres libre de especular si lo deseas sobre el significado filosófico y alegórico de 2001". Si hemos de hacer caso a la obra de Arthur C. Clarke sobre la película, la cosa va sobre un contacto con extraterrestres que inciden en la creación de nuestra inteligencia a través del monolito y que luego nos vigilan. Es la explicación más lógica, pero yo añadiría algo más: si los extraterrestres juegan con nosotros de ese modo, cualquier filósofo o experto en teología los podría llamar dioses, y creo que también van por ahí los tiros. 2001 me parece la película más cargada de símbolos religiosos de la historia: ese monolito que en realidad son tres y que puede aludir tanto a las tres religiones monoteistas como a la santísima Trinidad; además conviene recordar que es un rectángulo sin imágenes, desconozco la religión de Kubrick, pero que yo recuerde judíos, musulmanes y protestantes no admiten la representación de Dios como figura humana. Ese alineamiento perfecto en el espacio entre monolito y astros que forma una cruz. Ese ordenador que juega a ser Dios acabando con la tripulación (y que tampoco tiene forma humana). Y finalmente esa especie de feto humano que alguno ha dicho que es el superhombre de Nietzche, pero que a mí lo que más me recuerda es a un ángel asexuado ascendiendo al cielo tras la muerte del astronauta... Demasiadas casualidades y símbolos en mi opinión como para no tomárselo en serio el tema religioso.

Kubrick hizo una obra revolucionaria, de la que se han destacado sus efectos especiales y sus escasos diálogos (aproximadamente unos 40 minutos en una película de casi dos horas y media), edificada en mi opinión como una sinfonía musical clásica en cuatro tiempos: el primero, con el amanecer del hombre, el segundo con el viaje a la luna y el descubrimiento del  monolito lunar, el tercero con el viaje a Júpiter y el conflicto con el ordenador, y el cuarto con el viaje a través del túnel de gusano (Clarke y Kubrick se adelantaron a muchos directores que han utilizado después esta teoría de viajes estelares más rápidos que la velocidad de la luz) y posterior muerte y transformación del astronauta. Consiguió un filme bellísimo, intrigante, de un poderío visual como pocas veces se ha visto en una pantalla de cine (verlo fuera de ella es casi un sacrilegio, no es el mismo 2001) y de un poder de abstracción inusual en el cine (siempre lo comparo con ver un cuadro abstracto, está abierto a múltiples opiniones, solo hay que dejarse llevar), con la elipsis más memorable de la historia del cine, la que convierte un hueso lanzado al aire en un arma nuclear (más de uno la sigue confundiendo con una nave espacial) y con uno de los iconos de la historia del cine, el ordenador HAL 9000 (el nombre viene de que a Kubrick la IBM no le dio permiso para dar su nombre a un ordenador asesino; decidió cambiarles las siglas por las letras inmediatamente anteriores del abecedario), quien en un ataque de "humanidad" decide acabar con la tripulación cuando esta decide apagarlo por su fallo de funcionamiento. Para mí y para muchos una obra maestra, aunque sus detractores siguen pensando que es lentísima (tiene el ritmo de un ballet espacial) y que no se entiende el tema del monolito.

Me queda por comentar alguna cosa sobre la música y sobre la influencia en el cine fantástico posterior. Creo que es la primera vez, y a partir de ahí el director lo hará siempre, que no usa música original, sino de otros compositores como Johan y Richard Strauss y Ligetty. Tenía música original compuesta por Alex North, pero por razones que creo que solo Kubrick conoce, decidió eliminarla sin previo aviso a North, quien se sorprendió por lo que parece la noche del estreno cuando vio su banda sonora eliminada. Curiosamente, hay una leyenda por ahí de que los últimos minutos del filme, que se inspiraron e inspiraron en la psicodelia de aquellos años, originaron una de las composiciones de Pink Floyd, Echoes, cuya duración es aproximadamente la misma que el final de 2001. Alguno ha intentado combinar película y canción (el resultado está en Internet, os dejo el link, http://vimeo.com/5255919) y hasta le parece que cuadran, yo lo he oído y visto  y a mí no me gusta nada el resultado, cada uno es libre de opinar libremente.

Fue una obra fundamental y muy copiada por cineastas en los años posteriores que llenaron las salas con películas fantásticas de tipo "filosófico". La más famosa es la rusa Solaris, coñazo mayúsculo de tres horas de Tarkovski que es cierto que tiene ínfulas filosóficas, pero que no hay dios que la aguante y que la entienda (y la versión americana con George Clooney, idem de lo mismo, aunque nos ahorra hora y media de película), y en la que además no está tan clara la influencia, puesto que la novela en que se basa creo que es bastante anterior a 2001. La mejor influida por 2001 para mí la dirigió el responsable de efectos especiales de 2001, Douglas Trumbull, se llama Naves misteriosas y es una preciosa miniatura fantástica con un gran Bruce Dern como protagonista. Asimismo, 2001 tuvo una secuela tardía 2010, mucho menos interesante y que fue un gran fracaso comercial, 2001 tampoco fue un gran éxito en el momento de su estreno ni de crítica ni de público, pero el tiempo la ha puesto en el lugar que merece.

18/12/2013 01:52 carlosmartinez #. sin tema Hay 2 comentarios.

Phenomena: Viscosidad + Supersonic man

Este viernes Phenomena cierra su miniciclo Grindhouse de estos últimos meses con un filme de terror gore del que no tengo muchas referencias y con un clásico del cine español más casposo:

Viscosidad:

Casi el comentario de este filme lo debería hacer el Sacerdote, mi consejero en filmes de este tipo, porque yo voy más despistado que un pulpo en un garaje con este filme. Me suenan el título y algunas imágenes del mismo, pero soy incapaz de recordarlo. Tampoco soy capaz de recordar si he visto algún otro filme de su director, William Sachs. Sé que es un filme de terror gore de muy bajo presupuesto de 1977 sobre un astronauta que vuelve de un accidentado viaje a Saturno y empieza a derretirse (el título original creo que es El increible hombre que se derrite), y para evitarlo empieza a matar personas para comérselas. La premisa promete, pero de verdad no sé si es un buen filme o no, así que Sacerdote, si lees esto, me gustaría que me dejases algún comentario al respecto si lo conoces.

Supersonic Man:

Tengo curiosidad por ver cómo ha tratado el tiempo a Supersonic Man, en su momento era casposa a más no poder, pero en vista de lo que disfruté hace unos meses con un desmadre como Apocalipsis caníbal probablemente sea más divertida ahora que en el momento de su estreno, donde era uno más de los típicos intentos de italianos y españoles por copiar el filme de moda de la época.

Y le tengo cariño al publicista valenciano Juan Piquer Simón, hombre que comenzó su carrera como pudo, ya que no le dejaron dirigir al principio por no tener la carrera de cine y cuyos primeros trabajos en el terreno documental fueron prohibidos por la censura franquista. Su mejor película me sigue pareciendo la primera; VIaje al centro de la tierra, estimable adaptación verniana de bajo presupuesto con una de mis debilidades, Jack Taylor.

Supersonic sale de allí, su trabajo gusta a unos italianos que buscaban a alguien para hacer una película de superhéroes barata ya que se preveía que Supermán iba a ser un taquillazo. Piquer decide hacerla en solitario, aunque le cambia por dos veces el título, de Capitán Electric que le sonaba a electrodoméstico a Flash que no pudo utilizar porque se estaba preparando Flash Gordon. Contrató a un actor desconocido italiano llamado Antonio Cantafora con cierto aspecto internacional a lo Terence Hill para cuando iba sin máscara y a un doble enmascarado. El problema es que Cantafora no se afeitó el bigote, y ahí surge la primera cantada: debe ser el primer superhéroe con superdepilado entre sus poderes.

Hay más, una apisonadora (marca ACME) ligerita de peso, unos vuelos que cantan mucho, un robot absolutamente cutre, un helicóptero que se ve a la legua que es una maqueta... El resultado, pura serie Z y considerado por muchos de lo peor de la historia del cine español, cosa habitual en Piquer hasta posteriormente, cuando obtenía con sus slashers más respeto fuera de España. Pero la serie Z lo que tiene de cutrez lo suele ganar en desvergüenza y cachondeo, o sea que yo no me la perdería, además tiene un par de actores respetables como José Maria Caffarell y Cameron Mitchell y al gran Quique Camoiras entre los secundarios. Filme perfecto para un final de ciclo Grindhouse. La canción, inolvidable, y en este caso las he visto bastante peores.

19/12/2013 01:37 carlosmartinez #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Nos quedan 28: Una de cal y otra de arena

Los chistes malos suelen decir que hay una noticia buena y otra mala. Eso podemos decir hoy los cinéfilos de Barcelona: bienvenido un cine nuevo, pero desgraciadamente nos hemos quedado con un cine histórico.

Empecemos por el cierre:

Cine Alexandra:

Era un cadáver hace tiempo. En parte por una política de empresa creo que errónea, en parte porque la gente dejó de ir era cuestión de tiempo, había desaparecido una sala histórica de VO, habían desaparecido las sesiones matinales (a precios francamente bajos, con desayuno gratis y con películas más que interesantes), había desaparecido el bar (la última vez que fui me pude meter una bebida de fuera por la sencilla razón de que ellos no tenían)... Solo era cuestión de saber cuándo era el funeral y ha llegado hoy. Lo echaré de menos, era un local justo al lado de donde pasé cuatro años de estudios y durante mucho tiempo fui visitante asiduo a sus salas.

Y ahora el cine que abre:

Balmes Balañà

Le deseo mucha suerte, pero me temo que no han empezado con buen pie. No creo que sea la mejor opción anunciar a bombo y platillo una oferta del primer día a 1 € cuando saben perfectamente que era una oferta muy limitada que se acabó en seguida, y tampoco anunciar como novedosa (la de rebajar la entrada al cliente que vuelve antes de 15 días) cuando ya la hacen unos cuantos cines de Barcelona hace tiempo, incluidos los de la misma empresa. Bienvenidas sus 12 salas de VO, pero espero que en adelante cuiden mejor a su clientela.

21/12/2013 01:57 carlosmartinez #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Phenomena: Juegos de guerra

 

 

Este domingo Phenomena comienza un miniciclo de películas destinadas a los más pequeños para las fiestas... aunque la primera del ciclo es un tanto inquietante:

Juegos de guerra:

 

Muchos críticos tienden a infravalorar al británico John Badham con la etiqueta de artesano director de taquillazos, cuando tiene algunas películas más que notables, Fiebre del sábado noche, el Drácula protagonizado por Frank Langella y la que yo denominaría trilogía tecnológica, la formada por El trueno azul, Cortocircuito y la que hoy nos ocupa, Juegos de guerra. Filmes que podríamos enclavar en el género de fantástico, pero tan realista y desarrollado en la actualidad que asusta en dos de ellas.

Juegos de guerra parte de un excelente guión nominado al Oscar con una inquietante premisa que se adelantaba en muchas cosas a la era de Internet y los hackers, tanto que alguna palabra usada en informática como firewall fue cogida de esta película. Puede parecer una paranoia muy de la guerra fría que un hacker pueda entrar tranquilamente en el ordenador más moderno del ejército para jugar una "partidita de guerra termonuclear", pero está rodada con tanto realismo por Badham que por momentos da miedo hasta el último segundo del filme, y eso que el director no fue la primera opción, ya que la película fue comenzada por el mucho menos interesante Martin Brest, despedido al poco de comenzar el rodaje; conociendo la filmografía de Brest (de los que conozco, solo me gusta Huida a medianoche, Esencia de mujer me parece un flojo remake de una genialidad de Dino Risi y Vitorio Gassman, y lo demás mejor olvidarlo), creo que el filme habría sido bastante menos logrado. Supuso el lanzamiento de un buen actor como es Mathew Broderick y uno de los mayores éxitos de Badham, al que últimamente solo se le ve por la televisión rodando algunos episodios de series. Excelente película, y una buena demostración que es mejor no jugar a ciertos juegos, en algunos la única manera de ganar es no jugar. Volveremos a hablar más adelante de Badham, en el miniciclo está también programada Cortocircuito.

22/12/2013 01:33 carlosmartinez #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Futbolín

Futbolín, la primera incursión del director argentino afincado en Hollywood Juan José Campanella, deja una sensación agridulce. Este semiremake de su anterior filme Luna de Avellaneda tiene una impecable factura técnica, pero un guión un tanto flojo y previsible, además de sobrarle minutos, antes de llegar al partido decisivo hay unos cuantos minutos de relleno que se podían haber ahorrado. Tampoco ayuda un para mí desafortunado doblaje español, entiendo que el título original argentino (Metegol) habría quedado raro y que se haya cambiado, pero doblar de nuevo una película que ya estaba en castellano no me parece bien. Al filme le doy un aprobado, pero me parece inferior a los otros filmes de Campanella.

26/12/2013 13:06 carlosmartinez #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

La vida secreta de Walter Mitty

Recuerdo mal la primera versión del relato de James Thube La vida secreta de Walter Mitty, protagonizado por Danny Kaye en 1947, pero creo recordar que tenía un tono de comedia muy del tono habitual del actor norteamericano que se ha perdido en el remake protagonizado y dirigido por Ben Stiller, mucho más serio y trascendente. En mi opinión, creo que se ha equivocado en el cambio. Stiller ha hecho un filme que me ha parecido pura y llanamente un coñazo new age, una versión en cine de un libro de autoayuda, interminable por su larga duración y por el escaso argumento de la propuesta, en el que echo de menos un poco del humor gamberro de Stiller y del que me sobra tanto viaje de autodescubrimiento y tanto homenaje a la desaparecida revista Life (de no haber desaparecido la edición impresa en 2007, lo hubiese tomado por un spot). Salvo alguna escena suelta como la de la estación y la persecución en las calles de Nueva York, y los estupendos títulos de crédito de Kyle Cooper, lo demás es bastante flojito.

26/12/2013 13:22 carlosmartinez #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Sobran las palabras

Probablemente esta película pequeñita (que no independiente, la produce Fox) habría pasado completamente desapercibida o incluso no se habría estrenado en salas de no ser por la muerte inesperada de James Gandolfini en junio. No es su último filme, puesto que dejó otro que está en posproducción, aunque ignoro si allí tiene un papel protagonista como aquí. Sobran las palabras es muy entretenido y sobresalen las interpretaciones de Gandolfini y Julia Louis-Dreyfus, por encima de la media de las comedias románticas actuales y con un tono triste acentuado por la muerte de Gandolfini.  Notable filme.

26/12/2013 13:35 carlosmartinez #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Se anuncia el remake de Calígula

La oleada de remakes no cesa. Dado que Lars von Trier se ha animado a hacer un filme porno de cinco horas, el director Willy P. Newman ha anunciado que ha iniciado el rodaje del remake de Calígula, el célebre filme pornográfico de Tinto Brass y Bob Guccione. 

P. Newman cree que Brass y Guccione se quedaron un poquito cortos en el tratamiento sexual de la vida del emperador romano, y anuncia un filme de seis horas que incluirá un intento de Calígula de quitarle a polvos la tartamudez a Claudio y un acto sexual de Mesalina con un elefante africano. Dado que Malcolm Mcdowell ya no tiene la edad para interpretar el personaje (tendrían que utilizar Photoshop y toneladas de Viagra), ha pensado utilizar las imágenes del filme de Brass y poner a Nacho Vidal de doble para los primeros planos.

Seguiremos atentos a lo que depare el rodaje y el estreno de semejante disparate.

28/12/2013 01:24 carlosmartinez #. sin tema Hay 2 comentarios.

Se suspende el remake de Calígula

Finalmente la noticia del remake de Calígula se ha quedado en agua de borrajas. Según algunas fuentes los herederos de Guccione no han dado los permisos, según otras Tinto Brass se ha indignado ante la propuesta tras haberlo intentado él mismo hace unos años y según otros Malcolm Mcdowell se empeñaba en hacer todas las escenas (y sin Viagra). Aunque hay quien sospecha que la noticia ha surgido de la mente de un cachondo blogero que quería gastarle una inocentada a sus lectores.

29/12/2013 00:35 carlosmartinez #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Necrológica

He esperado a acabar el día de los inocentes para evitar dudas, porque se nos ha ido una excelente actriz del cine y el teatro español, descanse en paz:

Elvira Quintillá:

 

Por mucho que hoy los medios de comunicación se hayan empeñado en mencionarla principalmente en Bienvenido, Mr. Marshall, yo no la hubiese recordado especialmente por esa genialidad, donde su papel creo que es bastante secundario. Para mí Quintilá es parte de la historia del cine español por otras dos genialidades de Berlanga, Plácido y sobretodo la que hizo el valenciano con Bardem, Esa pareja feliz, donde ahí sí compartía protagonismo con Fernando Fernán-Gómez. Gran actriz.

29/12/2013 01:04 carlosmartinez #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Necrológica

Hoy ha fallecido un excelente compositor polaco, de filmografía no muy conocida fuera de su país salvo algunos títulos muy populares que hizo en los noventa y primeros años de este milenio. Descanse en paz:

Wojciech Kilar:

Kilar era un reputado compositor de música clásica y bandas sonoras en su país para prestigiosos directores como Wajda, Zanussi y Kieslovski (su título polaco más conocido creo que es La tierra de la gran promesa), hasta que Coppola lo descubrió al público de fuera de su país con Drácula. Después trabajó con Polanski tres veces (La muerte y la doncella, La novena puerta y El pianista), Jane Campion (Retrato de una dama) y James Gray (la noche es nuestra). Su etapa polaca no la conozco mucho, la internacional es excelente.

30/12/2013 00:47 carlosmartinez #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

47 ronin

Debía ser creo 1998 cuando John Frankenheimer hizo su película Ronin, y creo recordar que se estrenó con ese título sin ningún problema en España y sin necesidad de explicar qué era un ronin, un samurai sin amo. Parece que los distribuidores se han vuelto más gilipollas desde entonces. Como piensan que somos párvulos y que a lo mejor no llegamos al principio de 47 ronin donde lo explican, nada, a ponerle La leyenda del samurai, que queda muy mono. En fin, no tienen remedio, y como lo de leyenda es muy socorrido, premio Don erre que erre, y no va a ser el único estos días, que peor todavía es lo de la última de los Coen.

47 ronin, basado libremente en una antigua historia del Japón feudal ya llevada al cine por Mizoguchi en 1941, se ha hecho conocida por los problemas de rodaje y un presupuesto desorbitado que se iba disparando conforme avanzaba la película, y de momento en taquilla lleva camino de ser uno de los fiascos del año. El resultado es bastante discreto, sin llegar al desastre total es previsible y aburrido, y no lucen los millones como se deberían de preveer en un filme de sus características. Keanu Reeves tan inexpresivo como siempre, aunque los otros que se ven de los 46 ronin restantes no le van a la zaga. Solo se salva la bruja y la escena del dragón, lo demás muy mediocre.

31/12/2013 01:20 carlosmartinez #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Ismael

Me ha sorprendido ver esta mañana en algún resumen del año a esta película entre lo mejor del cine español de este año. Me parece demasiado para un filme aceptable pero menor en mi opinión. Está bien interpretada, Mario Casas ha mejorado en su carrera con esta y la de de la Iglesia, el niño Larsson do Amaral lo hace bien y Belén Rueda y Sergi López son lo mejor de la cinta, pero no me acaba de convencer el guión, demasiado déjà vu y previsible, y el ritmo que le pone el argentino Marcelo Pyñeiro, creo que el filme requiere un tijeretazo de unos cuantos minutos, por momentos peca de lento. Filme correcto y de aprobado alto, pero para estar entre lo mejor del año, no.

31/12/2013 01:31 carlosmartinez #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

El médico

No deja de ser curioso que en la adaptación de una novela tan cinematográfica como El médico de Noah Gordon se hayan tomado tantas libertades, especialmente en el personaje de Stellan Skaargard y en el final de la historia. A pesar de las diferencias, es una aceptable adaptación europea(nadie dijo que se ha de ser completamente fiel a una novela), con una cuidada ambientación y con un excelente Ben Kingsley como Ibn Sena (Avicena en la traducción habitual). No es una maravilla, pero hace pasar un rato entretenido, aunque prefiero la novela.

31/12/2013 01:50 carlosmartinez #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Resumen del año

Ha llegado el último día del año, y con él mis habituales premios y antipremios a lo que considero lo mejor y lo peor estrenado en cines este 2013. Aclarar que solo me refiero a lo que he podido ver estrenado en salas y que es una opinión personal, respeto a todo el que tenga opinión diferente de la mía. Estos son los premiados:

Cine internacional:

Mejor película: Doce años de esclavitud.

Mejor director: Alfonso Cuarón, por Gravity.

Mejor actor: Chiwetel Ejiofor, por Doce años de esclavitud.

Mejor actriz: Adele Exarchopoulos, por La vida de Adele.

Mejor guión: Django desencadenado.

Peor película: Juerga hasta el fin.

Peor director: John Moore, por Jungla de cristal 5.

Peor actor: Exaequo, para Gerard Butler y Chaning Tatum, por Jungla de cristal en la Casa Blanca 1 y 2, perdón, Objetivo: la Casa Blanca y Asalto al poder.

Peor actriz: Melissa Mccarthy, por Por la cara.

Peor guión: RIPD.

Cine español:

Mejor película: Las brujas de Zugarramurdi.

Mejor director: Eugeni Mira, por Grand piano.

Mejor actor: Javier Cámara, por Ayer no termina nunca y Vivir es fácil con los ojos cerrados.

Mejor actriz: Inma Cuesta, por 3 bodas de más

Mejor guión: 3 bodas de más.

Peor película: Quién mató a Bambi

Peor no director: Al británico que firma como anónimo y a los productores y editores de La mula (el lio de la película es tal que uno no sabe a ciencia cierta quién fue el responsable final de la película)

Peor actor: Ernesto Alterio, por Quién mató a Bambi.

Peor actriz: Cecilia Roth, por Los amantes pasajeros.

Peor guión: Volver a nacer (recordar que como coproducción que es, se considera española, de hecho estuvo nominada a un Goya).

Consideraciones finales:

Solo he tenido en cuenta las películas que he visto. Por falta de tiempo y en algunos casos no he tenido tiempo de ver películas como La herida o Todos queremps lo mejor para ella, que suenan para el Goya a la mejor actriz, o no me han dejado verlas por el poco tiempo que han estado en cartelera. Por lo tanto, al no verlas no puedo apreciarlas e incluirlas.

Sí me hubiese gustado incluir Family tour de mi querida Liliana Torres en algún apartado, ya que he podido verla en un pase privado, pero no puedo por no haberse estrenado en salas comerciales, por lo que tendrá que ser el año que viene, o al menos eso espero.

Premio especial a la mejor secuela, remake, precuela o reboot: Antes del anochecer.

Premio especial a la peor secuela, remake, precuela o reboot: Jungla de cristal 5.

Premio especial La gran estafa americana, a los responsables de Objetivo: la Casa Blanca y Asalto al poder, por hacernos pasar dos veces por taquilla para ofrecernos exactamente el mismo engendro, sin duda el timo cinematográfico del año.

Premio especial al plagio más escandaloso: A los responsables de dirección artística y efectos especiales de Elysium, por el sospechoso parecido de su estación espacial con la estación de camino a la luna de 2001.

Y eso es todo por este año. El blogero que escribe estos artículos desea a sus lectores el mejor 2014 posible en todos los sentidos. Feliz año nuevo.

31/12/2013 13:41 carlosmartinez #. sin tema No hay comentarios. Comentar.




Temas

Archivos

Enlaces

 

 
Diciembre 2013 | carlosmartinez

Blog creado con Blogia. Esta web utiliza cookies para adaptarse a tus preferencias y analítica web.
Blogia apoya a la Fundación Josep Carreras.

Contrato Coloriuris